Public Art – Das Recht auf Erinnern und die Realität der Städte

Ulf Aminde ist Künstler und Filmemacher. Seine Produktionen verhandeln häufig den öffentlichen Raum und werden dort auch gezeigt. Viele von ihnen initiieren Kollaborationen und kollektive Lernumgebungen. In seiner filmischen Arbeit verhandelt Aminde das Potenzial der Selbstermächtigung durch die performative Kamera, Verfremdungseffekte im Dokumentarischen und Strategien der Subjektivierung. Seine Filmarbeiten sind meist auch durch eine Zusammenarbeit mit den Protagonist*innen und experimentellen Settings gekennzeichnet. Seine jüngsten Arbeiten beschäftigen sich mit Erinnerung und Widerstand. In Köln entwickelt er ein filmisches und durch den Einsatz von Augmented Reality auch partizipatives Mahnmal zur Erinnerung an die rassistischen Bombenanschläge des terroristischen NSU-Netzwerks in der Probsteigasse, 2001 und Keupstrasse, 2004. Er ist außerdem Professor für Performative Räume an der Weißensee Kunsthochschule Berlin. Dort initiierte er mit Miriam Schickler insbesondere die *foundationClass für Künstler*innen, die aus ihren Heimatländern fliehen mussten.

İbrahim Arslan überlebte die rassistischen Brandanschläge von Mölln 1992. Bei dem Anschlag verloren seine Großmutter Bahide Arslan, seine Schwester Yeliz Arslan und seine Cousine Ayşe Yılmaz ihr Leben. Er engagiert sich seit vielen Jahren in der Antirassismus-Arbeit, indem er bundesweit auf Veranstaltungen, Konferenzen, vor allem aber in Schulen als Politischer Bildungsreferent aus der Perspektive der Betroffenen berichtet. Durch die „Möllner Rede im Exil“, die er seit 2013 gemeinsam mit seiner Familie und dem Freundeskreis im Gedenken an die rassistischen Brandanschläge von Mölln 1992 veranstaltet, etablierte er eine neue Kultur des Gedenkens in Deutschland, die die Angehörigen rassistischer Morde und Anschläge aktiv miteinbezieht und gegen das Vergessen kämpft. İbrahim Arslan ist ein Botschafter für Demokratie und Toleranz. (Informationen entnommen von der Website der Heinrich-Böll-Stiftung.)

Gürsoy Doğtaş ist Kunsthistoriker, Publizist und Kurator, der an den Schnittstellen zu Institutionskritik, strukturellem Rassismus und Queer Studies arbeitet. Er promovierte an der LMU München über Chantal Mouffes Demokratietheorie im Ausstellungsdiskurs der Biennalen (2020). Seit 2014 hält er Lehrveranstaltungen und Vorträge u.a. an der Akademie in Berlin und München, Fachhochschule Potsdam. Er kuratierte das diskursive Programm Public Art Munich (2018) und Ausstellungen wie „Die kalte Libido“ im Haus der Kunst/München (2015); „Das Kleid sitzt nicht“ Curated by Vienna/Wien (2013). Von 2007 bis 2013 war er der Herausgeber des Artistzines „Matt Magazine“. Im Rahmen des ICI (Independent Curators International) in New York gab er die Publikation The Politics of the Melancholic Voice – Zeki Müren’s ‘Kahır Mektubu’ (Letter of Sorrow) über die kulturspezifische Melancholie des türkischen Sängers Zeki Müren mit heraus. Er forscht an der Universität für angewandte Kunst in Wien.

Talya Feldman ist eine Medienkünstlerin aus Denver, Colorado (USA). Sie erhielt einen B.F.A. von der School of the Art Institute of Chicago und studiert aktuell an der Hochschule für bildende Künste Hamburg. Für ihre Installation „The Violence We Have Witnessed Carries a Weight on Our Hearts“ im Jüdischen Museum Berlin erhielt sie 2021 den DAGESH-Kunstpreis. Als Überlebende des Anschlags in Halle (Saale) am 9. Oktober 2019 erhielt Feldman Anerkennung für ihre nachfolgenden Projekte gegen rechten Terror.

Simon Fujiwaras Werk kann als eine sehr persönliche Erforschung der Industrie des Individuums in einer hyperkapitalistischen, sozial vermittelten Welt beschrieben werden. In diesem verführerischen, aber auch gefährlichen Umfeld möchte der britisch-japanische Künstler das Paradoxon unserer gleichzeitigen Suche nach Fantasie und Authentizität in der Kultur, die wir konsumieren, untersuchen und aufzeigen. Seine Arbeiten, die von Video und Installation bis hin zu Skulptur und Zeichnung reichen, beziehen sich häufig auf reale Formen der Bildung oder Unterhaltung wie Fahrgeschäfte in Themenparks, Modelle und Miniaturen oder Wachsarbeiten und bilden diese nach. In seinen jüngsten Ausstellungen – darunter eine maßstabsgetreue Rekonstruktion des Anne-Frank-Hauses (Hope House, 2017), eine „Rebranding-Kampagne“ seiner ehemaligen Highschool-Kunstlehrerin (Joanne, 2016-2018) und eine Themenparkfahrt, die einen in die Welt von YouTube entführt (Empathy I, 2018) – sehen wir ein verzerrtes Spiegelbild der realen Welt durch das fantastische und manchmal verstörende Universum des Künstlers.

Sophie Goltz lebt und arbeitet in Salzburg und Berlin als Kuratorin, Kunstvermittlerin und Autorin. 2020 wurde sie zur Direktorin der Internationalen Sommerakademie für Bildende Kunst Salzburg ernannt. Von 2017 bis 2020 lehrte sie als Assistenzprofessorin im neuen Studiengang Museum Studies and Curatorial Practice (MA) an der School of Art, Design and Media an der Nanyang Technological University Singapore und war als Deputy Director of Research and Academic Education am NTU Center for Contemporary Art Singapore (NTU CCA Singapore) tätig. Von 2013 bis 2016 war sie künstlerische Leiterin von Stadtkuratorin Hamburg. Von 2008 bis 2017 arbeitete sie als Kuratorin am Neuen Berliner Kunstverein (n.b.k.), wo sie bis 2013 auch als Leiterin der Kommunikation und Kunstvermittlung tätig war. Zuletzt veröffentlichte Goltz Culture City. Culture Scape. (zusammen mit Ute Meta Bauer und Khim Ong, NUS Press, 2021) und Passages. Art in Public Space Hamburg since 1981 (in Erscheinung, Spector Books), das ihre Zeit als künstlerische Leiterin von Stadtkuratorin Hamburg reflektiert.

Ayşe Güleç ist Pädagogin, Autorin und forschende Aktivistin an den Schnittstellen Anti-Rassismus, Migration, Kunst und Kunstvermittlung. Aktuell ist Güleç Teil des Artistic Teams der documenta fifteen. Von 2015–2017 war sie Mitarbeiterin der documenta 14 als Community Liaison in der Abteilung des künstlerischen Leiters. Von 2018 bis 2019 leitete sie die Kunstvermittlung im Museum für Moderne Kunst in Frankfurt am Main. Sie war aktiv in der kollektiven Bewegung NSU-Komplex auflösen und war an der Vorbereitung und Koordinierung des gleichnamigen Tribunals beteiligt, das im Mai 2017 in Köln stattfand. Von 1998 bis 2016 leitete sie im Kulturzentrum Schlachthof Kassel die Entwicklung, Leitung und Durchführung von (inter-)kulturellen ästhetischen Aktivitäten, Bildungsangeboten und europäischer Vernetzungsarbeit. Für die documenta 12 entwickelte sie den documenta-12-Beirat zur Entwicklung und Verknüpfung der documenta mit Einzelpersonen und Gruppen in Kassel und wurde in Folge dessen Sprecherin. Sie wurde beratendes Mitglied der Maybe Education der documenta 13 und bildete eine Gruppe von Kunstvermittler*innen aus.

Dr. Noa K. Ha ist Stadtforscherin. Seit Oktober 2021 unterrichtet sie an der Kunsthochschule Berlin-Weißensee Spatial Strategies mit Prof. Dr. Bonaventure Ndikung und Prof. Nasan Tur und leitet in Vertretung bis Februar 2022 den Nationalen Diskriminierungs- und Rassismusmonitor (NaDiRa) am DeZIM-Institut (Deutsches Zentrum für Integrations- und Migrationsforschung, Berlin). Von Juli 2020 bis September 2021 war sie kommissarische Wissenschaftliche Geschäftsführerin am DeZIM. Von 2018 bis 2020 leitete sie das Zentrum für Integrationsstudien an der TU Dresden als Geschäftsführerin und Nachwuchsforschungsgruppenleiterin. Von 2013 bis 2017 war sie Wissenschaftliche Mitarbeiterin und Post-Doc am Center for Metropolitan Studies (CMS) an der TU Berlin. Sie ist Gründungsmitglied der Fachgesellschaft für rassismuskritische, postkoloniale und dekoloniale Forschung und Praxis (DeKolonial e.V.i.G.). und ist im asiatisch-deutschen Verein korientation e.V. aktiv.

Oliver Hardt ist Regisseur und Filmemacher. In seinen Dokumentarfilmen befasst er sich seit vielen Jahren mit Schwarzer Geschichte und Kultur, oftmals mit Schwerpunkt auf zeitgenössischer Kunst, Architektur und Design. Zu seinen international gefeierten Filmen gehören Black Deutschland (2006), eine intime Studie über das Denken und Fühlen einer gar nicht so kleinen Minderheit in Deutschland; The United States of Hoodoo (2012), ein Roadtrip zu den spirituellen Quellen afroamerikanischer Kultur; David Adjaye – Collaborations (2015), ein Porträt des ghanaisch-britischen Stararchitekten; zuletzt The Black Museum (2018), ein Dokumentarfilm über das National Museum of African American History and Culture in Washington D.C., dessen Entstehung Hardt über mehrere Jahre filmisch begleitete. Hardts Filme werden weltweit auf Filmfestivals und im Fernsehen gezeigt, außerdem im Kontext von Ausstellungen, u.a. im Haus der Kunst in München, dem Art Institute of Chicago, dem Garage Museum in Moskau, dem Museum of the African Diaspora San Francisco und dem Guggenheim Museum Bilbao.

Jörg Heiser ist Kunstkritiker, Hochschullehrer, Kurator und Musiker. An der Universität der Künste in Berlin ist er Dekan der Fakultät Bildende Kunst und geschäftsführender Direktor des Instituts für Kunst im Kontext. Zwanzig Jahre lang arbeitete er als Redakteur für das Magazin frieze. Zu seinen Büchern gehören Plötzlich diese Übersicht. Was gute zeitgenössische Kunst ausmacht (2007) und Doppelleben Kunst und Popmusik (2018). Seit 2004 hat er zahlreiche Gruppenausstellungen kuratiert, darunter Romantischer Konzeptualismus (2007/08, Kunsthalle Nürnberg und Bawag Stiftung Wien, Katalog); 2018 war er Co-Kurator der Busan Biennale in Südkorea (Katalog). Das zweite Album der Band La Stampa, in der er Mitglied ist, wurde 2018 von Vinyl Factory, London, veröffentlicht. Zuletzt erschien sein Buch Freiheit ist kein Bild (2021).

Die Antifaschistische Initiative „Das Schweigen durchbrechen!“ gründete sich im Frühjahr 2014 als Initiative zur Erinnerung an die Opfer rechten Terrors in Nürnberg mit dem Ziel, ein dauerhaftes Gedenken in Nürnberg zu etablieren. Seitdem veranstaltet sie jährlich zu den Tatzeiten Kundgebungen an den Tatorten, um der Ermordeten zu gedenken. Wichtig ist dabei, die gesellschaftlichen Zustände, in denen der Nationalsozialistische Untergrund entstehen und morden konnte, zu benennen. Wir wollen weder das aktive Gedenken an die Ermordeten des NSU und die Forderung nach einer Auflösung des NSU-Komplexes vernachlässigen, noch zu virulenten antirassistischen, feministischen und anderen sozialen Auseinandersetzungen schweigen.

Oliver Koerner von Gustorf ist freier Autor und Kunstkritiker und lebt in Berlin. Er schreibt für Magazine wie Monopol, Blau, AD und Tageszeitungen wie taz, Freitag, Welt. Koerner arbeitet im Bereich des Corporate-Publishing seit 20 Jahren als freier Mitarbeiter für die Kunstabteilung der Deutschen Bank. 2007 gründete er in Berlin die Galerie SEPTEMBER, die 2014 schloss. Zu seinen jüngsten Katalogpublikationen gehören Essays in Rainer Fetting, Blumen & (2021) und Marc Brandenburg, Hirnsturm (2021).

Mark C. Kücking ist Landschaftsarchitekt und Vorsitzender des Vereins BauLust Initiative für Architektur & Öffentlichkeit e.V. Der in Nürnberg ansässige Verein hat es sich zur Aufgabe gemacht, die städtische Öffentlichkeit für die Architektur der Stadt zu sensibilisieren. Neben Podiumsdiskussionen, Vorträgen und Ausstellungen kümmert sich der Verein auch um Projekte, die Leben und Architektur in Nürnberg verbessern sollen. Desweiteren nimmt der Verein Stellung zu heiklen architektonischen Bauprojekten. Dazu gehört auch die Frage nach dem Umgang mit dem Nürnberger Reichsparteitagsgelände.

Die Diplom-Sozialwirtin Birgit Mair ist Mitbegründerin des Nürnberger Instituts für sozialwissenschaftliche Forschung, Bildung und Beratung e.V. (ISFBB), Co-Autorin der internationalen Studie zu NS-Zwangsarbeit „Hitlers Sklaven“ („Hitlers Slaves“), verfasste mehrere Publikationen über Holocaust-Überlebende sowie extrem rechte Bewegungen. Sie konzipierte die bundesweit beachtete Ausstellung „Die Opfer des NSU und die Aufarbeitung der Verbrechen“ und führte mehr als dreihundert Zeitzeugengespräche mit Holocaust-Überlebenden durch. In den Jahren 2012 und 2013 beobachtete sie den bayerischen NSU-Untersuchungsausschuss und später den Münchner NSU-Prozess.

• www.isfbb.de<https://www.isfbb.de>
• www.opfer-des-nsu.de<https://www.opfer-des-nsu.de>
• www.die-letzten-zeugen.de<https://www.die-letzten-zeugen.de>

Zoë Claire Miller, geb. 1984 in Boston, ist eine Künstlerin, Kuratorin und Aktivistin, die in Berlin lebt und arbeitet. Sie ist Sprecherin des bbk berlin (berufsverband bildender künstler*innen berlin e.V.) und Mitbegründerin des Berliner Kunstpreises. Zu ihren jüngsten Arbeiten gehören eine gärtnerisch-skulpturale Kollaboration für das Bergen Assembly in Norwegen, eine Gemeinschaftsaktion zur Austreibung des Kapitalismus durch Raku-Keramik an der Floating University und The Society for Matriarchal World Domination (selbsterklärend).

Andrea Pichl lebt und arbeitet in Berlin. Studium der Freien Kunst, Kunsthochschule Berlin Weißensee und am Chelsea College of Art, London. Einzelausstellungen u.a.: Kunsthalle Rostock, Museum Dieselkraftwerk Cottbus, Landesmuseum Brandenburg, Galerie Weißer Elefant, L40 Kunstverein am Rosa-Luxemburg-Platz, Krome Gallery, Luxemburg, IG Metall, in Zusammenarbeit mit dem Haus am Lützowplatz, Berlin, Museum Moritzburg, Halle /Saale, Landesmuseum Sachsen/Anhalt, M HKA, Museum for Contemporary Art, Antwerpen, Irish Museum of Modern Art, Dublin, National Gallery Taschkent, Usbekistan, Mies van der Rohe Haus, Berlin, Volksbühne am Rosa-Luxemburg-Platz, Berlin (Bühnenbild), Künstlerhaus Bethanien, Berlin, Contemporary Art Centre Vilnius, Lithuania, Kumu Art Museum, Tallinn, Estonia. Gruppenausstellungen u.a.: Kunsthalle Wilhelmshaven, Prater Galerie Berlin, Kunsthalle Rostock, Werkleitzfestival Dessau, ZKR, Zentrum für Kunst und öffentlicher Raum, Schloss Biesdorf, Berlin, Saarländische Galerie, Berlin, Hartware Medien Kunstverein, Dortmund, L40 - Kunstverein Rosa-Luxemburg-Platz, Krome Gallery, Luxemburg, Deutsches Haus, NY University, New York, Skulpturenmuseum Glaskasten, Marl, Kunsthistorisches Museum Schloss Ambras, Innsbruck, Hamburger Bahnhof, Berlin.

Olu Oguibe ist ein Multi-Media-Künstler, dessen Werk oft zwischen minimalistischem Formalismus und sozialem Engagement angesiedelt ist. Seine Arbeiten wurden in zahlreichen Museen und Galerien sowie auf Biennalen und Triennalen ausgestellt. Er hat auch mehrere öffentliche Werke in vielen Ländern geschaffen. Im Jahr 2017 erhielt sein „Strangers and Refugees Monument“, eine öffentliche Skulptur in Kassel, Deutschland, den Arnold Bode Preis für die documenta 14.

María Inés Plaza Lazo, geb. 1989, entwickelt gerne kuratorische und kommunikative Strategien für andere, Einzelpersonen wie Institutionen. Sie wuchs in Guayaquil, Ecuador, auf und lebt und arbeitet zwischen den Straßen Berlins und der Welt. Ausgebildet als Kunsthistorikerin an der Ludwig-Maximilians-Universität München und der Katholischen Universität Eichstätt, ist sie Gründerin und Herausgeberin von Arts of the Working Class, (zusammen mit Paul Sochacki und Alina Ana Kolar), einer mehrsprachigen Straßenzeitung für Armut, Reichtum und Kunst. Arts of the Working Class erscheint seit 2018 alle zwei Monate und enthält Beiträge von Künstler*innen und Denker*innen aus verschiedenen Feldern und Ländern. Sie richtet sich an die Arbeiter*innenklasse, also an alle, und es geht um alles, das allen gehört. Jeder, der sie verkauft, verdient mit. Verkäufer*innen auf den Straßen behalten den vollen Preis. Jeder Künstler, dessen Arbeit beworben wird, gestaltet die Zeitung mit.

Pope.L, geb.1955, ist ein bildender UND PERFORMANCE-Künstler SOWIE KUNSTERZIEHER UND DOZENT aus den USA, der AKTUELL in Chicago lebt. Seit 2010 lehrt er an der University of Chicago Bildende Kunst. ZUVOR LEHRTE ER ZWANZIG JAHRE LANG FILM- UND THEATERWISSENSCHAFT AM BATES COLLEGE IN LEWISTON (MAINE/USA). Er blickt auf eine lange Reihe an Einzel- wie Gruppenausstellungen zurück. Zu den jüngsten Ausstellungen zählen „Misconceptions“ im Portikus Frankfurt (2021); „Pope.L: Instigation, Aspiration, Perspiration“, drei komplementär aufeinander bezogene Ausstellungen in New York: im Whitney Museum of American Art, dem Museum of Modern Art und mit dem Public Art Fund (2019-2020); „Whispering Campaign“ auf der documenta 14, Athen und Kassel (2017); „Claim“ auf der Whitney Biennale (2017); „On the Tip of the Tongue“ im Museum of Modern Art Warschau (2016); „Baile“ auf der 32. Bienal de São Paulo (2016); „The Public Body“ im Artspace, Sydney (2016). Pope.L erhielt zahlreiche Preise und Stipendien, u.a. das United States Artists Rockefeller Fellowship, das Solomon R. Guggenheim Fellowship und das Stipendium der Andy Warhol Foundation. ER IST EIN BASTARD.

Johannes Paul Raeter ist Künstler und Professor an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg. In seiner künstlerischen Arbeit umsorgt er ein System konstruierter Identitäten (Avataras, AlterIdentities oder SelfSisters), die an verschiedenen Orten im öffentlichen Raum auftauchen, wo sie forschen, lehren und Geschichten erzählen. Diese sogenannten aLifveForms – Transformella, Protektorama und Schwarmwesen – stellen konventionelle Annahmen über Identitäten, Körper und Technologie in Frage. Arbeiten und Performances waren unter anderem auf der 9. Berlin Biennale, im Palais de Tokyo in Paris, im Fridericianum in Kassel und auf der transmediale 2017 in Berlin zu sehen. Einzelausstellungen fanden unter anderem bei Kraupa-Tuskany Zeidler in Berlin, im Kunstverein Düsseldorf, in der Transmission Gallery in Glasgow und Ludlow 38 in New York City statt. An der AdBK Nürnberg leitet Raether den neu geschaffenen postgradualen Masterstudiengang Live Art Forms, der performative und ästhetische Praktiken in öffentlichen, digitalen und globalen Räumen verbindet – innerhalb der bildenden und darstellenden Künste und darüber hinaus.

Monique Roelofs ist Professorin für Philosophie der Kunst und Kultur an der Universität von Amsterdam. Ihre Forschung konzentriert sich auf die Beziehung zwischen Ästhetik und Politik, wobei sie sich insbesondere mit den Aspekten „Rasse“, Geschlecht, Nation, Kolonialität und Globalität beschäftigt. Sie ist die Autorin von Arts of Address: Being Alive to Language and The World (2020) und The Cultural Promise of the Aesthetic (2014). Ihre Artikel sind in zahlreichen Zeitschriften erschienen, darunter differences, Confluencia, Flash Art und Texte zur Kunst. Roelofs hat kürzlich ein neues Buchmanuskript mit dem Titel Aesthetics, Address, and the Politics of Culture abgeschlossen. Sie ist außerdem Mitautorin eines Buches über Ästhetik und Zeitlichkeit in Latein(x)amerika und Mitherausgeberin der Anthologie Black Art and Aesthetics: Relations, Interiors, Reckonings.

Kerstin Stakemeier ist Professorin für Kunsttheorie an der Akademie der Bildenden Künste Nürnberg. Sie arbeitet in der Lehre, organisiert Ausstellungen und schreibt. Im September 2021 eröffnete sie mit Anselm Franke im Haus der Kulturen der Welt Berlin das Ausstellungs- und Publikationsprojekt Illiberal Arts. Mit Bill Dietz entstand aus dem Seminar Universal Receptivity eine Online- und Printpublikation (März 2021), mit M. Ammer, E. Birkenstock, J. Nachtigall und S. Weber erarbeitete sie die Ausstellungserie und Zeitschrift Class Languages (2017/18) und zusammen mit Marina Vishmidt schrieb sie Reproducing Autonomy (2016). 2017 erschien bei b_books PoLYpen die Monographie Entgrenzter Formalismus. Verfahren einer antimodernen Ästhetik.

Cassie Thornton ist eine Künstlerin, Aktivistin und Autorin, die einen „safe space“ für das Unbekannte, für Ungehorsam und für unerwartete Kollektivität schafft. Sie nutzt soziale Praktiken wie Institutionskritik, rebellische Architektur und „Heilmethoden“ wie Hypnose und Yoga, um weiche Stellen in den harten Oberflächen des kapitalistischen Lebens zu finden. Thornton hat einen alternativen Kreditauskunftsdienst für die Überlebenden der Gentrifizierung erfunden, Hedge-Fonds-Manager hypnotisiert, in Bankfilialen gesammeltem Dreck als Fingerfarben verwendet, hat mit einem Fluch belegte Gemälde an profitgierige Banker gespendet und Yogis feministische Wirtschaftslehre beigebracht (und umgekehrt). 2020 erschien ihr Buch The Hologram: Feminist, Peer-to-Peer Health for a Post-Pandemic Future bei Pluto Press.